Non è una colonna sonora. Non è un concept album ispirato da immagini. E’ soltanto – e non è cosa da poco, anzi! – una successione di composizioni in cui il suo autore, in questo caso il compositore di musica per film e serie Kristian Sensini (Rocks in My Pockets, Hyde’s Secret Nightmare, Provaci Ancora prof 6, My Love Affair With Marriage), si cimenta al pianoforte in totale e intima riflessione su cosa sia e cosa trasmetta “L’arte invisibile della bellezza inessenziale”, come da titolo inglese di questa sua ultima opera musicale. Prima di passare ad esaminare uno ad uno gli otto pezzi che compongono questo gradevole album, cito il compositore che ha tenuto a precisare, facendo promozione sui suoi canali social, che codesto disco verrà inviato gratuitamente (così come per il resto della sua discografia, tra cui Hyde’s Secret Nightmare, All Against All, My Love Affair With Marriage, Kartets, A Blurred Glass) a chi farà una donazione libera ad Emergency https://sostieni.emergency.it/dona-ora/, inviandogli successivamente la ricevuta della donazione stessa. Lodevole e ancor più invogliante nel far giungere nella collezione discografica personale questo album per piano solo. Il brano che lo apre si intitola “Intrusive Thoughts”: una cadenza pianistica cullante che sollecita riflessioni odierne su pensieri che vengono da molto lontano, perfino da paesi che stanno subendo guerre e stragi ingiustificate e ignominiose, che lasciano la mente e il cuore sbigottiti. La traccia “Insane Tenderness” risuona come un carillon insanamente disconnesso nel suo andamento che tende a volere essere comunque confortante. “Making Love” è il tema che resta più sotto pelle dell’intero album: una dichiarazione d’amore nel suo pieno compimento fisico ed emotivo; un motivo dalle reminiscenze francesi della Nouvelle Vague, tra Francis Lai e Michel Legrand. “Moonlit Droplets” appare come costola del primo brano seppur con una sua cadenza intimamente più delicata e tranquillizzante, con un leitmotiv dalle sfumature nipponiche. “Heavy Hearts” suona morbidamente drammatico e irrisolto, con alcuni passaggi timbrici alla Bernard Herrmann dei temi d’amore, piegati da passione esasperata e distruttiva, scritti per Hitchcock. “Some Kind of Freedom” si poggia su un suono synth prolungato e squillante che sottolinea la melodia dondolante come una ninnananna per tutti i bimbi del mondo, specialmente quelli in costante pericolo di vita perché residenti in paesi in guerra. “Winter Talk” è interiormente solitario ma gaudente nell’esserlo, perché tale condizione porta sollievo e apre l’animo a conversare con sé stessi senza filtri alcuni. Chiude “Waiting For Godot” di Beckettiana memoria, altro non è che un brano di matrice classica, cadenzato da un ritmo battente che echeggia come un allarmante grido di disperazione e aiuto.
I’m impressed by your initiative. It’s a mental process to compose, perform and publish music which serves to help coping with all the sorrows about the future of a society under threat.
The particular experience for a listener, on the other hand, is that this music is palpable. It hurt my ears when I played it in the night, right before going to sleep. The piano sounds out of tune, whereas the melodies are harmonious. This juxtaposition gives the impression of a prepared piano that was damaged by a bomb, instead of being prepared for concert use — with a painful effect on the compositions. It seems as if the notes can’t reach the right tone anymore.
The result is an album that is hard to listen to, but it also evokes thoughts and compassion. About such an effect in art, the first comparison that came to my mind is the film ‘Salò o le 120 Giornate di Sodoma’ (1975): to show how terrifying fascism really is, Pasolini made a film that it so terrible to watch that you don’t want to see it a second time. You can’t escape the images anymore.
This may sound like a strange reaction. However, I can’t hide that ‘The Invisible Art of Inessential Beauty’ made me feel shivery and uncomfortable. On the other hand, wars should never feel comfortable.
The art direction of the album is beautiful. That, too, is a contrast well thought of.
The music being made nowadays doesn’t exactly invite much reflection or calm. The musical preferences of today’s listeners have declined considerably in quality in recent times, and I won’t mention any specific genre of the new musical wave, nor will I name any particular “artist,” but what is clear is that times have changed—and at least in music, though in other areas as well, things are not looking good.
That is why it is truly refreshing that, amidst such artistic mediocrity, some albums emerge like a breath of fresh air in the musical landscape. One of the composers who strives to break away from convention, offering us something more interesting, is Kristian Sensini, a musician who usually works in film, but who with his recent work The Invisible Art of Inessential Beauty steps out of his comfort zone to present us with a narrative solo piano album. Here, Sensini immerses himself in the sensitive core of his being, since this is a record not inspired by images, but by the sensitivity of a musician who isolates himself in his studio with only his piano.
Although Sensini is not a consummate pianist, through the eight compositions that make up this work he reveals an unusual sensitivity, where the minimalist sounds of his piano and a certain melancholy allow us, if only for a few moments, to soothe our restless and turbulent souls. And that, friends, in this day and age, already means a lot in an artist.
All that remains is to recommend listening to it, so that audiences may enjoy the art of this Italian composer.
ITALIANO
La musica che si produce oggi non invita certo alla riflessione e alla calma. I gusti musicali dell’ascoltatore contemporaneo sono notevolmente decaduti in termini di qualità negli ultimi tempi, e non citerò né generi specifici della nuova ondata musicale né tanto meno qualche “artista” in particolare. Ciò che è evidente, però, è che i tempi sono cambiati, e almeno in ambito musicale – ma anche in altri campi – la situazione non appare rosea.
Ecco perché è così prezioso che, in mezzo a tanta mediocrità artistica, emergano alcuni album che rappresentano una vera boccata d’aria fresca per il panorama musicale. Uno dei compositori che cerca di andare oltre le convenzioni, proponendo qualcosa di più interessante, è Kristian Sensini, musicista che lavora abitualmente per il cinema, ma che con il suo recente lavoro The Invisible Art of Inessential Beauty esce dalla sua zona di comfort per offrirci un racconto intimo e narrativo al pianoforte solo. In questo progetto Sensini si immerge nel lato più sensibile del proprio essere: non si tratta di un disco ispirato dalle immagini, ma dalla sensibilità di un musicista che si chiude nel suo studio, solo con il pianoforte.
Pur non essendo un pianista consumato, Sensini riesce con le otto composizioni che compongono quest’opera a trasmettere un’insolita delicatezza, in cui i suoni minimalisti del pianoforte e una certa malinconia ci permettono, anche solo per qualche istante, di placare la nostra anima agitata e frenetica. E questo, amici, oggi è già moltissimo per un artista.
Non mi resta che consigliarne l’ascolto, affinché gli ascoltatori possano godere dell’arte di questo compositore italiano.
Ennesimo grande riconoscimento per il compositore portopotentino Kristian Sensini, che ai “Musicomics – Premio Romics Musica per Immagini” si è aggiudicato il premio per la miglior colonna sonora con il film d’animazione “My Love Affair with Marriage”, della regista Signe Baumane. Nella stessa rassegna ha poi collezionato un’altra nomination, per la miglior canzone. La cerimonia si è svolta Roma. A consegnargli il premio il maestro Claudio Simonetti, noto per le colonne sonore nei film di Dario Argento. Ed erano presenti figure come il presidente della giuria Vince Tempera. “Ricevere questo premio, in una delle più importanti fiere dedicate al fumetto e al gioco, è un grande onore – commenta Sensini –. Il lavoro del compositore è spesso solitario e presentare la propria musica a una platea così vasta è un modo per uscire dall’isolamento. Questo riconoscimento ripaga di tanti sacrifici”. Sensini ha pure svelato la sua passione per fumetti e giochi, rivelando di essere un grande appassionato di Dungeons and Dragons e dei fumetti Marvel. Per questo ha voluto ringraziare giuria e premiati, come Douglas Meakin e Lucio Macchiarella, sottolineando l’importanza delle loro opere. In questi giorni i brani di Sensini saranno in gara per i Grammy Award, i premi più importanti a livello internazionale per la discografia.
È passato un po’ di tempo dall’ultima volta che ho pubblicato un articolo su questo sito, e ho deciso di farlo in occasione di una notizia importante. La settimana scorsa, nel mondo dei compositori e di chi lavora con il computer, è successo qualcosa che ha sconvolto la routine di molti.
In sostanza, la ditta produttrice di un software molto utilizzato (Finale) ha annunciato la fine dello sviluppo di questo programma. Così, hanno consigliato agli utenti di passare a Dorico, offrendo anche opportunità di acquisto a un prezzo conveniente. Tuttavia, questa notizia ha lasciato comprensibilmente molti nel panico.
Questo articolo è dedicato da un lato a rassicurare chi lavora con i software di notazione musicale, dall’altro a stimolare la discussione tra i colleghi circa la conservabilità futura dei nostri lavori.
Iniziamo con la soluzione più immediata per capire quali passi intraprendere.
La soluzione rapida al problema è la seguente: assicuratevi di salvare tutti i vostri file Finale, nel formato XML, preferibilmente nella versione 4.0, che è la più avanzata. Successivamente, potrete importarli in Dorico, trovate ovviamente decine di tutorial in rete su come fare. Non saranno partiture del tutto identiche, nell’aspetto, agli originali scritti anni fa ma, con un buon grado di approssimazione ci restituiranno grandissima parte del lavoro creato.
Partiamo da questa questione per avviare una serie di riflessioni che riguardano l’attività di noi compositori, in particolare di chi si occupa di musica per il cinema, partiamo dal particolare per arrivare a considerazioni più ampie. Possiamo aprire la porta a una riflessione molto importante per noi compositori moderni, che differisce notevolmente da quella dei compositori del passato.
Quando Mozart o Beethoven completavano le loro opere, queste venivano prima copiate a mano da copisti e poi date alle stampe, per la loro diffusione immediata e, di conseguenza per la conservazione per le generazioni future. Una volta che un’opera veniva stampata, i problemi erano sostanzialmente risolti: la speranza era che la musica potesse circolare il più possibile. Oggi, però, non possiamo dire lo stesso.
Viviamo in un mondo completamente diverso, caratterizzato da una rapidità e da una capacità di conservazione che pongono nuove sfide. Ad esempio, circa tre mesi fa, ho partecipato a uno studio condotto da alcune università, che intervistavano compositori, in particolare quelli che si occupano di musica per il cinema. L’argomento era la conservazione delle colonne sonore, un tema delicato e di grande importanza per me. Da piccolo, sognavo di diventare Indiana Jones, ho alle spalle anche studi di Archeologia e conservazione dei beni culturali, e ho sviluppato una vera passione per il problema della conservazione dei beni musicali e per la storia della musica. Tuttavia, nella nostra epoca contemporanea, la conservazione musicale avviene raramente. Oggi, quando viene pubblicata una colonna sonora, essa tende a rimanere “congelata” all’interno del film, senza una vita autonoma al di fuori di esso.
La musica scritta per una pellicola difficilmente trova spazio nella vita concertistica, a meno che non provenga da un compositore di grande fama. Spesso oltretutto le colonne sonore moderne presentano poca melodia e scarsa riproducibilità, essendo composte molte volta da droni e suoni elettronici. In molti casi, non ci sono musicisti reali, solo strati su strati di suoni che si sovrappongono, accumulandosi. Questa realtà rende difficile la riproduzione dal vivo di molte colonne sonore. Non si tratta di una critica alla musica elettronica, che apprezzo e che ho suonato e composto, ma di una constatazione: la musica elettronica tende a invecchiare più rapidamente e a scomparire più facilmente, poiché è complessa da trascrivere e difficile da riprodurre dal vivo.
Ho sempre amato scrivere e sperimentare, anche con l’elettronica. Un mio recente album, scritto per quartetto d’archi ed elettronica, ha ottenuto risultati interessanti, e spero di continuare a esplorare questa combinazione.
Tuttavia, molte colonne sonore moderne si concentrano su tecniche compositive che sono esterne alla musica stessa. Ho ascoltato recentemente un’intervista a un famoso compositore, in gran parte dedicata all’uso del riverbero e di plugin specifici, piuttosto che a questioni melodiche o strutturali. Oggi, l’attenzione nella composizione sembra spostarsi sempre più verso l’uso di strumenti elettronici e tecniche di produzione.
Sebbene queste tecniche siano affascinanti, dal punto di vista della conservabilità e riproducibilità del suono, spesso non offrono le stesse garanzie. Se voglio studiare una composizione di Mozart o Beethoven, posso sempre consultare la partitura e comprendere le intenzioni del compositore. La scrittura musicale è chiara e consolidata: ogni nota è specificata in modo tale da garantire una riproduzione fedele. In contrasto, molte produzioni musicali moderne, soprattutto nel pop e nella musica elettronica, possono risultare difficili da riprodurre in futuro. Un brano di Lady Gaga o Rihanna, per esempio, sarà eseguito tra trent’anni, ma ricreare il suono originale sarà complicato. Le tecniche utilizzate, come determinati preset di sintetizzatori, sono spesso complesse e non sempre documentate.
La musica classica, al contrario, è scritta in modo tale da essere immortale. La scrittura e la trascrizione permettono di riprodurre le opere nel modo in cui sono state concepite. Tuttavia, molte colonne sonore moderne si basano su suoni elettronici e campionamenti, il che le rende meno riconoscibili e più suscettibili a essere dimenticate. Questa riflessione mi porta a concludere che, quando scriviamo musica per film, dobbiamo considerare non solo le esigenze dei produttori e dei registi, ma anche l’importanza di tramandare la nostra musica. È fondamentale trovare un equilibrio affinché le nostre opere siano trascrivibili e riproducibili nel tempo.
In molti casi, la musica non viene nemmeno pubblicata in CD, figuriamoci in vinile. Quindi, fisicamente, non esiste su nessun supporto, a parte il DVD o il Bluray. Pensate a quante serie nascono e muoiono con lo streaming: le colonne sonore sono totalmente virtuali. Possono essere presenti su piattaforme come Netflix o Amazon Prime e su Spotify, ma tutto ciò è impalpabile. Tra dieci anni, probabilmente, non esisteranno più, poiché queste piattaforme potrebbero decidere di rimuovere quel contenuto. Se non viene realizzata una commercializzazione adeguata del DVD o del Blu-ray, né esiste un disco fisico, e la colonna sonora è disponibile solo su Spotify, che potrebbe sparire per qualsiasi motivo, la volatilità del prodotto e la mancanza di conservazione è diventa un problema serio.
Per me, è fondamentale mantenere una buona abitudine: stampare tutte le mie composizioni, siano esse belle o brutte, piccole o grandi. Ho una parte della mia biblioteca dedicata a questo, con tanti volumi che raccolgono tutte le mie opere, anche le più semplici. Servono a ripercorrere la mia carriera e a lasciare qualcosa di tangibile per il futuro. Beethoven diceva che il compositore scrive per paura della morte, per lasciare un’eredità. La nostra professione è intangibile, quindi avere qualcosa di fisico è importante. Alla fine della mia carriera, voglio poter dire: “Ecco ciò che ho fatto”, che si tratti di colonne sonore, musica per videogiochi o concerti. Rendere tangibile l’intangibile, attraverso la stampa delle partiture, è essenziale. Per quanto riguarda i formati, l’unico sul quale scommetterei è il vinile, poiché la riproduzione è meccanica e non digitale. In un contesto di crisi apocalittica, è più probabile riuscire a ricostruire un lettore di vinili piuttosto che un lettore DVD o un riproduttore MP3.
Ho l’abitudine di stampare tutto e di salvare tutto in PDF, perché non mi sono mai fidato completamente dei software di notazione. Tutto è momentaneo e provvisorio, e i programmi possono scomparire in qualsiasi momento. Pertanto, ogni lavoro deve essere archiviato in modo ordinato. Molti si preoccupano di avere migliaia di partiture da convertire ora che Finale ha smesso di essere commercializzato, ma una volta composte e stampate, quante volte si torna su quelle partiture per modificarle? Se una composizione è stata scritta e archiviata, è lì quando serve. Spero che queste considerazioni stimolino una conversazione e una riflessione collettiva. Vi invito a condividere i vostri pensieri e a discutere di questi temi, in modo da capire dove stiamo andando nell’evoluzione della musica, soprattutto delle colonne
When Kristian Sensini began to record the first musical ideas for My Love Affair with Marriage, his son Leo was still in the belly of his wife Agnese. When the soundtrack was finally completed, seven years later, Leo had just started second-class. This is a very long road that is rarely seen in the film industry today. The circumstances of the My Love Affair with Marriage were equally unusual. Sensini lives in Italy and the director of Signe Bauman in New York. They both never had a chance to meet. Throughout the cooperation, they have always worked remotely.
Bauman animation is an original work that, in many technical ways, reminds us of our natives, Kill it and leave this city. The world presented in the animation is a unique creation of the imagination, in which people are controlled by a gray line of the cartoonist, bringing out the colorless and difficult reality of the old Eastern Bloc. We learn the whole story from the perspective of Zelma, a teenager who faces brutal norms imposed by patriarchy. The next stages of her life are not only a bitter chase after the ultimate happiness that is marriage here, but also the process of discovering the biological changes taking place in her body.
This proves how versatile the composer is and what potential lies in his talent
Sensini shines with ideas that hardly anyone would expect from the animation. The most important thread, that is, the wedding, is treated here literally. We see the ecclesiastical organs, symbolically leading the bride to the altar, accompanied by quasi-angel chants. This is joined by the female Trio Limonade. In the film, three mythological guide mermaids play them, or, depending on the context, even hamlet witches, foretold often the painful future of Zelma. Their role is huge, because My Marriage with Life bears the hallmarks of a musical. His characters do not perform songs. This function falls precisely to the muses, which, which is the conscience of Zalma, will often give them an ironic, even humorous, in spite of convention, a commentary. Sensini composed and recorded all the songs before the animation started by the director, as Bauman needed them as a reference to the creation of credible lip synchronization. The songs themselves are a genre mish-mash, containing elements of jazz, blues and gospel, as ideally exemplified by Happy House. There’s also a lot of fantastic sounds – see First Maries Fantasy.
It is also worth mentioning the second, parallel world ruled by biology. The creators did not want to inculcate the picture path with a scientific-documentary coloration. This was a real challenge for Sensine, whose synchronization with the director’s vision has taken over several attempts. There was a fear that the project would be broken, but by trial and error, it was possible to determine that the best solution would be drums. Plenty of drums, not repeating the same melodies, have been used to comment on insanely difficult to illustrate concepts such as love or fear. It was a very down-to-earth, raw, as Sensini himself put it, the primitive treatment of biology, which is exactly what it is.
What about purely instrumental music? Sensini chose her to emphasize the evolution of the heroine, both physical and mental. This layer resounds nostalgic strings, like Back to Latvia, or the beautiful Falling in Love. In particular, it seems important to be the second piece, which in completely different film circumstances, could be the main theme of the whole story. Then Sensini, like Carter Burwell, could use very simple orchestral measures to achieve maximum effect. This proves how versatile the composer is and what potential lies in his talent.
It’s hard not to pay attention to the music in the picture. There is a lot of it, it is variable and original. The transmission of often short, eclectic fragments to the disc would seem impossible. But it turned out differently. The album, also physical edition, from the reliable MovieScore Media is listened to a pussy. Music flows, often reminiscent of an ethereal session. And although the tracklist does not spoil, openly suggesting that it is music primarily for the film, it is worth reaching for it. It is rare enough to encounter such a rich, experimental setting for such a difficult species as animation.
Kristian Sensini si racconta seduto al suo pianoforte. Lo raggiungiamo al telefono, ma è come se fossimo nel suo studio: proprio lì, dove ha composto la sonora di My love affair with marriage, pellicola scritta e diretta da Signe Baumane, in corsa nella categoria Miglior Film di Animazione alla notte più attesa di Losa. Siamo davanti a un lavoro lungo sette anni: un tempomorbido – come lo definisce – fuori dalla frenesia del mondo per amalgamare musiche e immagini e restituire allo spettatore il giusto equilibrio emotivo della narrazione.
Flautista, pianista, compositore, docente e membro del direttivo dell’ACMF (Associazione Compositori di Musica per Film), Kristian Sensini è l’unico italiano nella rosa di autori per l’Animation Movie e con My love affair with marriage ha già fatto incetta di premi internazionali: ricordiamo infatti le vittorie all’Annecy Inernational Animation Film Festival (2022), al Grand Prix Animafest e al Best Feature Anifilm (2023).
In questa intervista, Kristian Sensini ci accoglie nel suo universo artistico tra generose sinergie creative e sale cinematografiche, portandoci dentro un’esperienza gomito a gomito con le emozioni dell’arte.
Partiamo dall’inizio. Come è nata la colonna sonora di My love affair with marriage?
Alla base della colonna sonora c’è tanta fiducia reciproca tra me e Signe Baumane, nata col precedente lavoro, Rocks in my pockets. Per arrivare al prodotto finito, per quanto riguarda My love affair with marriage, ci sono voluti sette anni: un tempo che abbiamo vissuto – professionalmente parlando – a distanza, lei a New York e io nelle Marche. Ci siamo incontrati di persona solo un anno fa in occasione della prima europea della pellicola all’Annecy Inernational Animation Film Festival, in Francia. La fiducia in questo caso è stata davvero il nostro ingrediente segreto e non poteva essere altrimenti con un oceano in mezzo. Ma dovrebbe essere così per ogni sinergia autorale: penso che le fondamenta del successo di un’opera debbano essere costruite con la fiducia, che vuol dire collaborazione, partecipazione, generosità artistica.
Dopo sette anni di lavoro, quando ha visto il film per la prima volta cosa ha provato?
Avendoci lavorato per sette anni, l’ho visto veramente crescere. Lo conoscevo a memoria. Però quando l’ho visto in occasione della sua prima europea mi sono davvero emozionato. E l’emozione più grande è stata quella di vederlo con altre persone, perché il cinema è un’esperienza che si vive insieme, tra spettatori al buio, vicini, gomito a gomito. La potenza del cinema sta proprio nella fruizione collettiva di un’opera: la sala può cambiare la percezione, l’aspetto sentimentale, della storia e delle immagini che l’opera vuole raccontare. È così che l’arte moltiplica le emozioni.
Quando scrive una colonna sonora che percorso fanno le sue idee?
All’inizio c’è un grande panico e ci si pente di aver accettato il lavoro. Non si sa mai come fare, cosa fare, perché la musica può completamente cambiare il significato dell’opera. La paura è connaturata a ogni pagina bianca di un autore: nel caso di un film, però, c’è anche la necessità (e la responsabilità) di soddisfare le aspettative di tutte le persone che hanno lavorato alla pellicola. Di solito, scrivo la musica seguendo l’ordine cronologico delle scene, come se fossi uno spettatore. Se ho la possibilità di lavorare con il regista fin dall’inizio preferisco partire dalla sceneggiatura cercando delle idee di suono da dare al film, delle idee di orchestrazione. In fase di montaggio affino le idee col colore e col ritmo delle immagini: è importante per me restituire a chi guarda l’equilibrio narrativo ed emotivo della storia.
Questo discorso vale anche per i film di animazione?
Sì, perché l’animazione non è un genere ma un medium. L’animazione è un mezzo di espressione del regista, che gli consente un’astrazione del racconto molto più ampia. Ad esempio, My Love Affair With Marriage è un film di animazione per adulti: molte scene della storia sono ambientate nella mente umana, in cui la protagonista è la biologia. Ecco, con un medium diverso dall’animazione probabilmente il film non avrebbe avuto la giusta forza espressiva per il tema che tratta o, peggio, sarebbe caduto in scelte narrative banali o grottesche.
Lei come si è avvicinato alla musica?
Per osmosi. Iniziai a studiare pianoforte per volere di mio padre e non fu per niente facile. Anzi, lasciai le lezioni dopo qualche settimana perché tolleravo poco la disciplina che lo studio del pianoforte richiedeva. Però, proprio grazie al pianoforte rimasi affascinato dalla possibilità di scrivere prima e di suonare poi la musica che componevo, che immaginavo. Da quel momento è stato un continuo sperimentare: sono stato autodidatta fino ai vent’anni, quando mi sono iscritto al Conservatorio per studiare flauto e diplomarmi in composizione jazz.
C’è un regista con il quale le piacerebbe lavorare?
In prima battuta, direi Steven Spielberg perché gli devo moltissimo del mio immaginario. Ma Steven Spielberg ha già John Williams. Mi piacerebbe moltissimo lavorare con Yorgos Lanthimos, il suo ultimo film è Poor Things: lui è un regista davvero visionario.
All’orizzonte per My Love Affair With Marriage c’è la notte degli Oscar…
È uno dei trentatré film di animazione in corsa agli Oscar: è l’unico del settore scritto e diretto da una donna e io sono l’unico compositore italiano. Come Miglior Colonna Sonora e Migliore Canzone Originale siamo fuori dalle nomination, ma il solo fatto di essere stato incluso in una rosa di autori eccezionali mi ha dato moltissima soddisfazione. Ora non rimane che aspettare gennaio e incrociare le dita per la shortlist relativa per il Miglior Film di Animazione.
Dal suo punto di vista, che rapporto c’è tra la musica italiana e l’estero?
Siamo legati da un duplice rapporto. Da un lato, il compositore italiano è tenuto molto in considerazione all’estero per quello che l’Italia evoca nella cultura internazionale: si pensi all’opera lirica dichiarata Patrimonio dell’Unesco qualche settimana fa. Dall’altro lato, incontriamo molte difficoltà a inserirci nel mercato mondiale. Penso che la musica italiana per film debba essere più incoraggiata, più sostenuta, al pari di quanto avviene per la musica pop. Abbiamo bisogno di più possibilità per farci conoscere e per evitare così di rimanere in una nicchia poco esportabile.
La mancanza di possibilità, allo stato attuale, da cosa dipende?
Credo sia dovuta principalmente al fatto che il nostro cinema è molto referenziale, pensato per un consumo all’interno dei confini nazionali. Ovviamente c’è poi un discorso di tipo economico, che fa perno sugli investimenti produttivi e pubblicitari della filiera cinematografica, i quali spesso sono a discapito dei film indipendenti e di conseguenza dei relativi autori. Se pensiamo a Barbie, siamo tutti d’accordo nel riconoscere che la promozione della pellicola è stata gigante: anche chi non ha visto il film, ha saputo della sua esistenza. Questa considerazione sposta i parametri di selezione e di giudizio in un’ottica mondiale squisitamente industry e di marketing del cinema, rischiando di lasciare a casa opere altrettanto valide ma poco note. Nella storia dell’Academy ci sono state tempeste perfette per l’Italia, tipo Nicola Piovani e La vita è bella, ma parliamo di compositori italiani per film italiani che concorrono come Miglior Film Straniero: ecco, sarebbe bello poter far conoscere il nostro talento tramite investimenti e promozione, incentivando le occasioni di commistione con produzioni americane o internazionali.
In chiusura, lei che consiglio darebbe ai giovani che vogliono vivere di musica?
È fondamentale costruirsi una credibilità come compositore: consiglio di essere molto caparbi e insistenti negli obiettivi artistici e professionali e di avere una propria linea stilistica una propria personalità autorale.
MY LOVE AFFAIR WITH MARRIAGE is a semiautobiographical animated musical created by Signe Baumane, who takes a strong feminist look at the ridiculous complexity of the silly human condition we call love. Baumane’s fantastic use of four different styles of animation, paired with an earnest view of societal expectations and pressures placed on women entering into the institution of matrimony, will have you questioning your own affair with marriage.
The film follows Zelma on her 23-year quest for perfect love and lasting marriage set against a backdrop of historic events in Eastern Europe. The film, conveyed from a woman’s point of view, blends historical, biological, societal, and emotional arcs with a lively sense of humor and musical numbers. This animated film for adults tackles the issues of love, gender norms, domestic violence, fantasies, and toxic relationships to propel a woman’s journey toward independence and liberation.
Film composer, pianist, flutist, and music producer Kristian Sensini’s credits include Baumane’s award-winning animated feature films MY LOVE AFFAIR WITH MARRIAGE and ROCKS IN MY POCKETS, for which he received the Colonne Sonor Award for “Best Soundtrack,” Domiziano Cristopharo’s Hyde’s SECRET NIGHTMARE, for which he received a Global Music Award for “Best Original Score,” Rai 1’s series THE TEACHER, which he composed alongside Pino Donaggio and Paolo Vivaldi; Chi Lee’s mystery/thriller THE FROG IN THE STONE; Andrej Kosak’s DRAMA ALL AGAINST ALL (Vsi Proti Vsem); and many more.
Q: I understand this hand-drawn animated production project took seven years to complete. How did you become involved in the project, and how did you create the music for the film across that lengthy-time period?
Kristian Sensini: I did my first movie for Signe Baumane in 2014. It was called ROCKS IN MY POCKETS, an animated film. When Signe had the opportunity to do a second animated movie, MY LOVE AFFAIR WITH MARRIAGE, she called me immediately because we had worked very well together on the first one. We understood each other, and it was precious to collaborate with a director over the years. We’ve kept in contact each year since the first movie, and as soon as she brought me on board for the second movie, I have been involved since the pre-production phase.
The first thing I did for her in this second movie was to write a demo song. In the script, Signe wrote many lyrics intended to be a sort of Greek chorus for the film’s main character, which is Biology. I wrote the first song for Signe as a demo, and she liked it. So, for these seven years, I have written every single song in this movie, which Signe needed in advance because there are characters who sing, and she needed to create the lip-sync for every one in the animation. It was working on the movie without seeing it – just from reading the script and hearing the voice acting from some of the actors. The film is a musical, but not in the Disney style.
These songs’ color palettes range from jazz to rhythm and blues, gospel, and even more chamber-like pieces. The style needed to adapt to the various “incarnations” of the three Mythology Sirens, who are singing characters who serve as a sort of “social” conscience for the protagonist. Since it is a story that unfolds through the growth of the female protagonist, I chose orchestrations that also reflected the girl’s development. Those songs were the first musical layer. We composed and recorded them before the director started animating because she needed them as a reference to create a believable lip sync. The film is a musical, but there are also documentary-like parts in which the protagonist is Biology itself, explaining the reasons for human actions, especially in the field of love, based on scientific explanations. This part required a lot of work because, after many auditions, we couldn’t find the right key to accompany these scenes. The director didn’t want them to sound like “scientific documentary” music. The intuition was to interpret the music not from the point of view of the viewer who is watching Biology explain but from the point of view of Biology itself, which is a primitive being. Signe was very clear that she didn’t want documentary music. We tried lots of things, and when I started to work on the score after the songs were finished, I had a tough time because I did ten or twelve different demos for the Biology character – just for the first Biology cue – and no single one of them was okay for Signe! I was scared that I might have lost the connection with the director or lost my touch, and then we had a discussion, and Signe suggested we use just the percussion for those cues.
That was a strange request; percussion is usually used in movies to express fear or rage, but not something romantic. That was a good experimentation because Signe really has a musical sensibility, but she’s not a musician. She’s nervous regarding the music, so every idea she has is out of the box. When I hear ideas like that, I jump in immediately because writing all those kinds of cues and expressing all these feelings using percussion was challenging. Still, in the end, it was the most original thing about the score, in my opinion. So the choice fell on percussion, and all the scenes dedicated to Biology were scored using only percussion – all kinds from all over the world. The challenge was to avoid being repetitive and to characterize each cue differently. We tried to introduce as many percussion instruments as possible and to solve even very difficult questions, such as how to express concepts such as fear, love, doubt, irony, anger, and attachment, using only percussion. It was an incredible challenge, but we achieved remarkable results.
Q: Would you describe a bit about what this film is about and what, to your understanding, the director’s goals were in creating a film that is so powerfully musically intensive?
Kristian Sensini: Signe’s movies are autobiographical. As with the first movie, MY LOVE AFFAIR WITH MARRIAGE was a delicate matter because we’re creating a musical environment for stories but they are not fantasy stories – they are true stories of Signe’s life. That first movie was even more difficult – it was about an account of the depression and suicide of a woman in Signe’s family. The leading voice-over in the first movie was Signe herself, telling the story. In this second movie, the story is not so much about the failure of a marriage, but how we work from a biological point of view… how love works from the perspective of chemistry and biology. The exciting thing was creating an emotional score involving the audience. Still, from a certain point of view, this is also a documentary about the biology of love. It was clear from Signe that she didn’t want documentary music; she didn’t want music without character. She wanted the emotive involvement of the audience in this movie. The mandate was to have two different points of view – the one of the documentary and the one of a more classical score. It was challenging to use the documentary language, but with the stronger emotive configuration, I found an exciting way to write the music.
Q: How would you describe your musical instrumentation for the score?
Kristian Sensini: I have been into chamber music for five or six years. Every composer wants to write for a big orchestra because you’re standing in front of all those amazing musicians, and you have a lot of possibilities with an orchestra. But, it’s to write for an orchestra – not that I am saying this, these are the words of Conrad Pope, the orchestrator for John Williams, Alan Silvestri, Alexandre Desplat, who once said in Vienna “It’s easy to write for an orchestra because we have so many instruments you can use. Having just a few instruments and making them sound bigger is difficult.” So my main goal, for about ten years now, is to write music for small ensembles and find solutions to make them sound more prominent. To sound as if they were double the size of the orchestra.
So, in this movie, I used at most five instruments simultaneously. The goal was to use some orchestration techniques to make them sound larger. The idea was to use sort of jazzy/folk ideas, A lot of cues are from elements that could be extended for a jazz ensemble, but they are not because we’re using the folk elements in the harmony and the melody, but the approach was jazzy. Let’s remember that this is also a musical, so we wanted to do a musical with a jazzy attitude but also with the folk elements. Signe didn’t wish to create a classical musical with all those big band jazz numbers, and she didn’t want a Disney musical; she wanted a musical where the narration is kept minimal by the song. We had a small ensemble for the songs and kept the story and the dancing from distracting the audience. Every single cue is functional for telling the story.
MY LOVE AFFAIR WITH MARRIAGE is a film that surprises its audience and is very different from much of the mainstream animation offered on the platforms. It is an animated film but for adults. It is difficult to explain every time because we still live with the prejudice that animation is a genre of film for children and teenagers, while in reality, it is a medium for telling stories. The very last thing I wrote was the final song. For the songs within the film, I relied entirely on the texts composed by the director, without touching a single word and even creating very special songs because the initial texts had in some cases the free form of contemporary poetry. For the end credits, the director asked me for a more pop composition. After reading the song’s first draft, I asked the director to make some changes to the structure because we know that contemporary pop songs require a specific design in their form. In this case, the instrumentation is similar to the songs we can hear on the charts, and the text is powerful, summarizing the film’s central themes in a few words. The song was performed by Storma Large, a great singer who has sung a lot with Pink Martini. A particular note is that in some cases I found myself writing the music literally around the voices of the actors who gave great performances, among them I like to remember Matthew Modine (STRANGER THINGS. FULL METAL JACKET), Dagmara Dominczyk (SUCCESSION), Cameron Monaghan (GOTHAM), Stephen Lang (AVATAR).”
Q: What was most challenging for you about this project and most rewarding?
Kristian Sensini: What’s most challenging is that every movie by Signe is full of voice-over, wall-to-wall! There is the narrator and characters who speak from the start to the end of the movie! It’s often a nightmare for a composer to write under a voice-over. We don’t want to distract the audience; you don’t want to mess with the acting of the voices. In the first movie, we have just one voice, Signe’s, from start to finish. It was easy because when you find the correct frequencies of the voice-over, you can write music under or over those frequencies and use their voice-over as a sort of melody. So when you have just one voice, it’s easy to avoid those frequencies and go on. In this case, we had many actors with many different voices; we had female voices and much deeper male voices, and it was a different kind of work. You had to be influenced by those frequencies, but you’re not allowed to use the same frequencies in every single cue.
I used this voice-over as the main melody that guided and held all the percussion instruments together. The last layer that makes up the film’s music is the score. In this case, we were more traditional and used classical instruments in a chamber music context, especially strings, harp, piano, and a flute. In this way, we obtained a very varied film from a musical point of view. It embraces many styles and many types of orchestration, and for this reason, it tends to surprise. I hope to create a fitting counterpoint to images that are themselves surprising and produced by one of the most brilliant artists of contemporary animation.
The more rewarding thing was to be able to write a lot of songs. I’m usually not a songwriter; I’m mostly a composer, but I also like to write songs occasionally. I never did that for a movie until now, and writing all those little songs was rewarding because they were in many different styles. We have something more in the fantasy style, more jazzy, and more rhythm and blues. There are a couple of little gospel songs, so it was a different score because there are a lot of different styles of music in the score.
Special thanks to Kristian Sensini for taking the time to discuss his work on this film in detail and to Alix Becq-Weinstein and Jana Davidoff with Rhapsody PR for facilitating this interview.
The soundtrack album from MY LOVE AFFAIR WITH MARRIAGE is now available from MovieScoreMedia.
Non smette di brillare la stella di Kristian Sensini, 47 anni, ed affermato compositore a livello internazionale, originario di Loreto ma da tempo portopotentino di adozione, che insegna musica alla scuola “Sanzio”. Infatti ha realizzato la colonna sonora del film “My Love Affair With Marriage”, girato della regista lettone Signe Baumane, che ora è in gara negli Stati Uniti per i premi Oscar nella sezione delle pellicole d’animazione. Un felice sodalizio, quello tra i due, che va avanti da tempo, perché Sensini aveva composto in precedenza anche la colonna sonora di un altro film d’animazione di Baumane,”Rocks In My Pockets”. Giovedì sarà annunciata la shortlist degli Oscar, ossia l’elenco dei film che verranno presi in esame per poi arrivare alle nomination. Però, nel frattempo, la pellicola ha già fatto incetta di importanti riconoscimenti, tra cui nel 2022 al Festival internazionale del film d’animazione di Annecy, e poi nel 2023 al Grand Prix Animafest a Zagabria e al Best Feature Anifilm in Repubblica Ceca. “E’ una grossa soddisfazione e speriamo che il film arrivi più in fondo possibile nella corsa agli Oscar, adesso incrociamo le dita – afferma Sensini -. Nello specifico, ho composto una cinquantina di brani, tra l’altro di vario genere, essendo uno pellicola in stile musical. Perciò, ci sono canzoni un po’ per tutti gusti: si va dal folk al jazz, ma anche musica classica, da camera, oltre a pezzi suonati solo con le percussioni”. E si è trattato di un lungo lavoro, andato avanti per tanto tempo. “Diciamo che è un progetto iniziato sette anni fa. Intanto, è acquistabile su Spotify il mio album, con dentro i brani della colonna sonora”.
