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Music and artificial intelligence… what a combination! You know, I’ve done countless talks and interviews on this topic over the past two or three years, and every time, I’ve changed my mind. Because with the speed at which everything is evolving, you barely have time to form an opinion before you have to rethink it! It’s like… well, like being at a restaurant and ordering a plate of pasta, and when the waiter arrives, he says, “Oh, sorry, we’ve changed the menu. Now we’ll bring you a pizza with lasagna inside.” And you say, “But excuse me, I wanted pasta!” And he replies, “But it’s the same, isn’t it? It just has cheese in it now.” And you’re left sitting there, confused, wondering if what you’re eating is really food or a lab experiment.

At first, I used to say, “No, artificial intelligence will never replace composers and musicians. Just listen to how basic the results are!” Then I reconsidered, thinking, “Well, yes, it’s good at imitating, but it lacks quality, it lacks originality.” And now? Now I’ve come to terms with it, but… there’s a catch. And maybe I’ve figured out what it is.

The issue is that artificial intelligence is like an artist who has studied too much—a bit like the guy who starts playing the piano only after reading the manual, but without ever truly feeling the music. Yet, when you “train” it well, as we say in the music world, well, holy smokes, it starts producing results that… damn, they’re even good! But there’s always that little detail, that pinch of “human” that’s missing. It’s like having a perfect orchestra but without the conductor who knows when to pause, when to improvise, when to add that touch of madness.

Do you know what Suno is? It’s a super fun app that lets you create a song in an instant. You tell it what kind of track you want, and voilà—it produces everything: instrumental, vocals, lyrics, arrangement, mastering, all with a result that, if it weren’t morally questionable, would be almost impressive. You can make a love ballad or a dance track without lifting a finger. Or maybe just one finger, to press “Create.” If you don’t know it, you should try it out, form your own opinion, and maybe even scare yourself a little. Sure, the result is good, but it’s not quite the same if you’re a true musician, with heart and passion for every note. But that’s not even what I want to talk about—it’s another statement that makes my skin crawl.

The CEO of Suno, Mikey Shulman, said, “Making music isn’t really enjoyable now. It takes a lot of time, a lot of practice, and you need to become very skilled with an instrument or production software,” Shulman explained. “And I think most people don’t enjoy most of the time they spend making music.” It sounds like the complaint of a frustrated and failed aspiring musician who, after trying to play guitar for five minutes, realizes that to become good, you need to study and that you aren’t born knowing how. But, ultimately, it’s the frustration of the new generations who watch short videos on social media of people doing phenomenal things, without understanding that behind those 15 seconds of performance are years of study, failures, sweat, and sacrifice.

Now, if I were to take this statement and adapt it to relationships, imagine someone saying, “Relationships have become too complicated. You no longer need to spend years getting to know someone, struggling to find the right balance. Now you can just say what you want, and the other person will give you exactly what you’re looking for, no problem.” That phrase, like the CEO’s, is not just a trivialization of what truly matters but a mockery of everything that makes relationships—and music—meaningful. There is always a need for effort, hard work, and sacrifices to create something of value.

After all, making music is no longer like it used to be, just as relationships aren’t what they once were. Once upon a time, love was simple: you met someone, probably in a local diner, talked about your favorite novels—Proust, if you wanted to be sophisticated, Hemingway, if you wanted to seem masculine—and before you knew it, you were married and arguing over who should sleep on the left side of the bed. Romantic efficiency! Now? Relationships are like producing a symphony with software you’ve never used before: time-consuming, emotionally costly, and often requiring technical support.

Think about it: Shulman says, “It takes a lot of practice, a lot of time, and you have to be really good.” Doesn’t that perfectly describe a modern relationship? It’s no longer about meeting someone who laughs at your jokes and tolerates your mother; it’s about compatibility algorithms, attachment styles, and, for heaven’s sake, emotional availability. The work required is immense. First of all, you have to know yourself. And that’s already a full-time job, and once you get there (spoiler: you never fully get there), you also have to “communicate.” Like an IT technician trying to troubleshoot a relationship that won’t start properly.

Oh, and let’s not forget another parallel: perfection. Shulman talks about needing to be “really good” with your instrument or software. Relationships now demand impeccability. You can’t have an off day. You can’t simply say, “I’m too tired to care about the drama of your third cousin’s wedding.” No! You must participate. You must be emotionally present, supportive, intellectually stimulating, and at least marginally attractive—every single day!

Maybe we’ve lost the spontaneous joy of making a mess. Love, like music, was never meant to be perfect. It was meant to be noisy, chaotic, sometimes off-key. So let’s stop producing relationships as if they were conceptual albums and go back to humming our feelings, even if we’re out of tune. Who knows? The mistakes might just be the best part.

And yet, we’re expected to believe that the future lies entirely in a click. No more sweat, no more mistakes, no more “let’s go back to this part” after weeks of rehearsals. Oh, how convenient. But it’s also a little creepy, isn’t it? It’s like being told that the only thing that matters is the surface, efficiency, performance. And all that remains is the sound, but not the music.

Yet the truth is that the beauty of music—and, more broadly, of art and life—is exactly that: the time you invest, the winding path, the constant pursuit of perfection that will never arrive. Making music, or creating, doesn’t mean being perfect—it means being involved in a process that is halfway between inspiration and failure. It’s not just work; it’s an experience, an act of living. Just like relationships—the real ones, the complicated ones—are never perfect. There’s always something unresolved, a melody that doesn’t sound the way you’d like, but it belongs to you, it speaks about you in a way no algorithm could ever imitate.

Music isn’t about perfection; it’s about passion and dedication. When you spend years mastering an instrument or writing a song, you’re not just trying to improve technically—you’re trying to understand yourself better, to explore yourself in a way you can’t achieve with an app. And that search, that failure, that constant improvement—that’s what makes music truly alive. Life is made of imperfect attempts, of wrong notes that turn into something unique, just like us.

So yes, Suno is fun. But maybe the real beauty of music—and life—is that we’ll never be perfect. And you know what? That’s perfectly okay.

Musica e intelligenza artificiale… che bel connubio! Sapete, ho fatto un sacco di interventi e interviste su questo argomento negli ultimi due o tre anni, e ogni volta ho cambiato idea. Perché, con la velocità con cui sta evolvendo tutto, non fate in tempo a farvi un’opinione che dovete subito ricredervi! È come se… beh, come se foste a un ristorante e ordinate un piatto di pasta, e quando arriva il cameriere vi dice ‘Ah, scusate, ma abbiamo cambiato il menù. Ora vi portiamo una pizza con dentro una lasagna.’ E voi dite ‘Ma scusate, io volevo la pasta!’ E lui vi risponde ‘Ma è lo stesso, no? È solo che ora ha il formaggio dentro.’ E voi siete lì, confusi, a chiedervi se quello che state mangiando è davvero cibo o se è un esperimento di laboratorio.”

All’inizio dicevo: ‘No, l’intelligenza artificiale non sostituirà mai i compositori e i musicisti. Sentite che risultati banali!’. Poi mi sono ricreduto, pensando: ‘Beh, sì, è brava a imitare, ma manca di qualità, manca di originalità’. E ora? Ora sono arrivato alla resa, ma… c’è un però. E forse ho capito cosa è.

Il problema è che l’intelligenza artificiale è come un artista che ha studiato troppo, un po’ come il ragazzo che si mette a suonare il piano solo dopo aver letto il manuale, ma senza mai sentire davvero la musica. Eppure, quando la ‘addestri’ bene, come diciamo noi nel mondo della musica, beh, porca zozza, inizia a tirar fuori dei risultati che… cavolo, sono anche buoni! Ma c’è sempre quel piccolo dettaglio, quel pizzico di ‘umano’ che manca. È come se aveste un’orchestra perfetta, ma senza il direttore che sa quando fare una pausa, quando improvvisare, quando dare quel tocco di follia.

Sapete cos’è Suno? È un’app divertentissima che ti permette di creare una canzone in un batter d’occhio. Gli dici che tipo di brano vuoi, e voilà, ti produce tutto: strumentale, voce, testo, arrangiamento, mastering, il tutto con un risultato che, se non fosse moralmente discutibile, sarebbe quasi impressionante. Puoi fare una ballata d’amore o un pezzo dance senza muovere un dito. O forse con un dito, giusto quello per schiacciare “Crea.” Se non la conoscete dovete provarla e farvi una idea e forse spaventarvi. Certo, il risultato è buono, ma non è proprio il massimo se sei un musicista vero, con il cuore e la passione per ogni nota. Ma non è di questo che voglio parlare, è di un’altra dichiarazione che fa accapponare la pelle.

Il CEO di Suno Mikey Shulman ha detto: “Non è davvero piacevole fare musica ora. Richiede molto tempo, molta pratica, bisogna diventare molto bravi con uno strumento o con un software di produzione,” ha spiegato Shulman. “E penso che la maggior parte delle persone non si diverta per la maggior parte del tempo che trascorre a fare musica.” Sembra il lamento di un aspirante musicista frustrato e fallito che, dopo aver provato cinque minuti a suonare la chitarra, si rende conto che per diventare bravi occorre studiare e che non si nasce imparati. Ma, del resto, è la frustrazione delle nuove generazioni che vedono video cortissimi sui social di gente che fa cose fenomenali, senza capire che dietro quei 15 secondi di performance ci sono anni di studio, fallimenti, sudore e sacrifici.

Ora, se dovessi prendere questa affermazione e adattarla a una relazione, immaginate che qualcuno dica: “Le relazioni sono diventate troppo complicate. Non c’è più bisogno di passare anni a conoscere qualcuno, a lottare per trovare il giusto equilibrio. Ora puoi semplicemente dire cosa vuoi e l’altro ti darà esattamente quello che cerchi, senza problemi.” Ecco, quella frase, come quella del CEO, non è solo una banalizzazione di ciò che veramente conta, ma una presa in giro di tutto ciò che rende le relazioni—e la musica—significative. C’è sempre bisogno di impegno, di sforzi, di sacrifici per creare qualcosa che abbia valore.

Del resto fare musica non è più come una volta, proprio come le relazioni non sono più quelle di una volta. Una volta, l’amore era semplice: incontravi qualcuno, probabilmente in una tavola calda di quartiere, parlavate dei vostri romanzi preferiti—Proust, se volevi fare il sofisticato, Hemingway, se volevi sembrare virile—e, prima che te ne accorgessi, eri sposato e litigavi su chi dovesse dormire dal lato sinistro del letto. Efficienza romantica! Ora? Le relazioni sono come produrre una sinfonia con un software che non hai mai usato prima: dispendiose in termini di tempo, emotivamente costose e, spesso, con necessità di assistenza tecnica.

Pensateci: Shulman dice, “Richiede molta pratica, molto tempo, e devi essere davvero bravo.” Non descrive forse alla perfezione una relazione moderna? Non si tratta più di incontrare qualcuno che ride alle tue battute e sopporta tua madre; si tratta di algoritmi di compatibilità, stili di attaccamento e, per l’amor del cielo, disponibilità emotiva. Il lavoro richiesto è immane. Prima di tutto, devi conoscere te stesso. E questo è già un lavoro a tempo pieno, e una volta che ci sei arrivato (spoiler: non ci arrivi mai), devi anche “comunicare.” Come un tecnico IT che cerca di risolvere una relazione che non si avvia correttamente.

Ah, e non dimentichiamoci un altro parallelo: la perfezione. Shulman parla di dover essere “davvero bravo” con il tuo strumento o software. Le relazioni ora richiedono impeccabilità. Non puoi avere una giornata no. Non puoi semplicemente dire: “Sono troppo stanco per interessarmi al dramma del matrimonio di tua cugina di terzo grado.” No! Devi partecipare. Devi essere emotivamente presente, di supporto, intellettualmente stimolante e almeno marginalmente attraente—ogni singolo giorno!

Forse abbiamo perso la gioia spontanea di fare casino. L’amore, come la musica, non è mai stato pensato per essere perfetto. Doveva essere rumoroso, caotico, a volte stonato. Allora smettiamola di produrre relazioni come se fossero album concettuali e torniamo a canticchiare i nostri sentimenti, anche se siamo fuori tono. Chissà? Gli errori potrebbero essere proprio la parte migliore.

E invece si vorrebbe pretendere che il futuro sia tutto lì, in un clic. Non più sudore, non più errori, niente più “ritorniamo a questo passaggio” dopo settimane di prove. Oh, quanto è comodo. Ma è anche un po’ inquietante, no? È come se ci stessero dicendo che l’unica cosa che conta è la superficie, l’efficienza, la prestazione. E tutto ciò che rimane è il suono, ma non la musica.

Eppure, la verità è che la bellezza della musica—e, più in generale, dell’arte e della vita—è proprio quella: è il tempo che ci metti, il percorso tortuoso, la costante ricerca di perfezione che non arriverà mai. Fare musica, o creare, non significa essere perfetti, significa essere coinvolti in un processo che è a metà strada tra l’ispirazione e il fallimento Non è solo un lavoro, è un’esperienza, un atto di vita. Proprio come le relazioni—quelle vere, quelle complicate—non sono mai perfette. C’è sempre qualcosa di irrisolto, una melodia che non suona come vorresti, ma che ti appartiene, che parla di te in un modo che nessun algoritmo potrà mai imitare.

La musica non è una questione di perfezione, è una questione di passione, di dedizione. Quando passi anni a perfezionare uno strumento o a scrivere una canzone, non stai solo cercando di migliorare tecnicamente, ma stai cercando di capirti meglio, di esplorare te stesso in un modo che non puoi ottenere con un’app. E quella ricerca, quel fallimento, quel miglioramento costante—è tutto ciò che fa sì che la musica sia davvero viva. La vita è fatta di tentativi imperfetti, di note sbagliate che si trasformano in qualcosa di unico, proprio come noi.

Quindi sì, Suno è divertente. Ma forse la vera bellezza della musica—e della vita—è che non saremo mai perfetti. E, sai una cosa? Va benissimo così.

Educare i bambini al bello è un atto di grande responsabilità e lungimiranza, che getta le basi per una società culturalmente e esteticamente più consapevole. Nei primi anni di vita, i bambini sono particolarmente sensibili agli stimoli che ricevono, anche se non hanno ancora gli strumenti per discernere consapevolmente ciò che è autentico e significativo da ciò che è superficiale. Questa plasticità della loro mente rappresenta un’opportunità unica per genitori, educatori e produttori culturali di offrire esperienze che nutrano il loro senso estetico e la loro sensibilità.

Prendiamo la musica, per esempio. Ai bambini piccoli non importa se una melodia è prodotta da strumenti digitali privi di calore o suonata da veri musicisti su strumenti acustici. Tuttavia, ciò che ascoltano non è privo di conseguenze: le canzoncine banali, fatte apposta per attrarre con ritmi ripetitivi e suoni artificiali, abituano l’orecchio a una semplicità piatta e sterile. Al contrario, esporli a musiche di qualità, anche se adattate alle loro capacità di comprensione, consente loro di assorbire la profondità e la ricchezza sonora che solo composizioni autentiche e strumenti veri possono offrire. La musica vera non solo intrattiene, ma emoziona e forma, gettando le basi per un gusto musicale più raffinato e maturo.

Un discorso analogo si applica ai cartoni animati. Nell’era del digitale, il 3D e le animazioni computerizzate dominano il panorama dell’intrattenimento infantile, spesso perché sono più veloci da produrre e possono stupire con effetti spettacolari. Tuttavia, i bambini non hanno un bisogno innato di tecnologie avanzate. Possono essere altrettanto affascinati da un cartone animato disegnato a mano, in 2D, che porta con sé l’impronta autentica dell’artista. L’arte manuale comunica qualcosa di profondo: il valore del lavoro, l’unicità di ogni tratto, la passione di chi crea. Questi elementi non solo offrono un’esperienza estetica più ricca, ma trasmettono anche valori che resteranno nel tempo.

Spesso, i genitori giustificano scelte poco curate con la frase: “A loro piace”. Ma se adottassimo lo stesso criterio nell’alimentazione, finiremmo per nutrire i nostri figli solo di junk food e dolciumi, perché è ciò che preferiscono istintivamente. Come per il cibo, anche il gusto estetico non va semplicemente assecondato, ma educato. I bambini sono naturalmente attratti da ciò che è ipercolorato, fluorescente e immediato – una caratteristica comune a molti prodotti audiovisivi e alimentari destinati all’infanzia. Tuttavia, offrire loro stimoli più raffinati, che richiedono un piccolo sforzo di attenzione e di adattamento, li aiuterà a sviluppare un senso del bello più profondo e duraturo.

L’impegno di educare al bello non riguarda solo i genitori, ma anche gli insegnanti e i produttori culturali. Chi crea contenuti per i bambini dovrebbe chiedersi che tipo di impatto le proprie opere avranno sui futuri adulti. Un cartone animato non diventa automaticamente migliore perché realizzato in 3D o con tecnologie avanzate. Al contrario, è la qualità della storia, la cura nei dettagli e l’amore con cui viene creato a determinarne il valore e la capacità di lasciare un’impronta positiva nel tempo. I contenuti pensati per l’infanzia non devono solo intrattenere, ma anche formare, offrendo ai bambini la possibilità di crescere con uno sguardo aperto alla bellezza autentica.

In definitiva, educare al bello significa offrire ai bambini le basi per apprezzare ciò che è autentico, profondo e significativo. Non è una questione di estetica fine a sé stessa, ma di coltivare una sensibilità che li accompagnerà per tutta la vita. Forse per noi adulti richiede un piccolo sacrificio in più, che si tratti di scegliere musica di qualità o di proporre cartoni animati più curati. Ma questo sforzo può fare una grande differenza: i bambini di oggi saranno gli adulti di domani, e ciò che imparano ora influenzerà il futuro di tutti. Non perdiamo questa occasione: educare al bello è un atto d’amore verso i nostri figli e verso la società che costruiremo insieme.

Sapete, io scrivo musica per film. È un bel lavoro, sì, ma anche un po’ una trappola. Perché, quando componi musica per immagini, sei sempre lì a cercare di far piangere qualcuno, o di farlo sentire potente, o romantico… insomma, sei una specie di manipolatore emotivo professionista. Solo che lo fai con le note invece che con le bugie, che almeno è più elegante.

Ma ultimamente mi sono chiesto: perché alcune musiche mi toccano così tanto, mentre altre mi fanno venire voglia di cambiare canale? E ho capito che il segreto è tutto in una cosa molto semplice: il respiro. Esatto, il respiro umano. Non quello che senti sul collo quando sei in metro nell’ora di punta, quello è fastidioso. Parlo di quello che senti nella musica.

Prendete un’orchestra. Quando ascolti una sinfonia, non senti solo i violini, i flauti, i timpani. No, senti anche il violinista che inspira prima di suonare, il pianista che si muove sul seggiolino, o magari il direttore d’orchestra che sbuffa perché il trombone è entrato in ritardo. È in quei piccoli rumori che senti la vita vera, la presenza umana. Quella roba lì, ragazzi, è l’anima della musica.

E sapete dov’è che succede questa magia? Nei venti centimetri tra il musicista e il microfono. Venti centimetri! È la distanza che fa la differenza tra un suono vivo e un suono che sembra uscito da una stampante 3D. In quei venti centimetri ci sono il respiro, il sudore, i calli sulle dita. C’è la vita.

Ecco perché io amo gli strumenti acustici. Non è snobismo, lo giuro. È che quando senti un violoncello suonare, puoi quasi vedere la persona dietro. Ma quando ascolti un sintetizzatore… cioè, chi c’è dietro? Un programmatore? Un algoritmo? È come cercare il romanticismo in un messaggio automatico di WhatsApp: “Ciao! Sei ancora al primo posto nei miei contatti preferiti!” No, grazie.

E non fraintendetemi: uso anche io strumenti virtuali, eh. Sono comodi, pratici, e ti permettono di fare un’orchestra intera senza dover pagare 80 persone (che poi vorrebbero anche la pausa pranzo, questi ingrati). Ma il punto è che gli strumenti digitali, per quanto perfetti, non respirano. Non sbagliano. E sapete cosa rende un musicista umano? Gli sbagli! Quella nota che non era proprio precisa, ma che ha qualcosa di vero, di vivo.

Il problema con la musica digitale è che è troppo perfetta. E la perfezione, diciamocelo, è un po’ noiosa. Voi vi fidanzereste mai con qualcuno perfetto? Uno che non suda, non fa battute sbagliate, non lascia i calzini in giro? No, perché dopo due settimane direste: “Ma questa è una macchina, non una persona!”

Ecco, per me la musica è uguale. Voglio sentire il fiato dell’essere umano, quei venti centimetri tra la bocca e il microfono. Perché lì c’è tutto: la vita, l’anima, il cuore.

Che poi è la stessa cosa per il cinema d’animazione. Io adoro i film animati in 2D, disegnati a mano. Perché? Perché lì vedi la mano dell’artista. Vedi il tratto della matita, i segni del gesto umano, le piccole imperfezioni. Quando guardi un film in 2D, è come se stessi vedendo la persona che ha fatto ogni singolo disegno, fotogramma dopo fotogramma.

Ma quando guardi un film in computer graphic… sì, ok, sono spettacolari, eh! Però è tutto troppo perfetto. Non c’è la mano. Non c’è il gesto. È come un piatto cucinato con un robot: ti sazia, ma non ti scalda il cuore. Nei disegni a mano c’è vita, c’è l’artista che ti dice: “Ehi, guarda cosa ho fatto per te.”

Quindi sì, tecnologia, AI, strumenti virtuali… benvenuti, ma state al vostro posto. Perché alla fine, la musica vera è fatta di persone, non di bit. È fatta di quel respiro che ti fa pensare: “C’è qualcuno, da qualche parte, che sta suonando per me.” E quello, amici miei, è il suono più bello del mondo.

Ah, Spotify. Il nome suona innocuo, no? “Spotify”. Sembra un posto dove vai a fare yoga o a trovare illuminazione spirituale. E invece no! È il male. È Satana in streaming ad alta (!?) qualità. Ma perché ce l’ho con Spotify? Perché è la fine della musica. È come il McDonald’s della musica: tutto è accessibile, ma niente ha un vero sapore.

Quando ero giovane… sì, lo so, tutti iniziano con “quando ero giovane”, ma lasciatemi spiegare! Quando ero giovane, comprare un disco era un rito sacro. Si andava al negozio, si passavano ore a sfogliare le copertine, si annusava quell’odore di vinile e polvere – un odore che ti diceva: “Questa è arte, non un algoritmo”. Poi portavi il disco a casa con la stessa cura con cui trasporteresti un cuore per un trapianto. Lo mettevi sul giradischi, abbassavi la puntina, e… magia!

Adesso? Adesso la gente scopre la musica premendo un pulsante mentre ordina un cappuccino al bar. Voglio dire, come fai a capire Leonard Cohen mentre sorseggi un latte macchiato con latte di avena? Non è musica, è rumore di sottofondo per le tue crisi esistenziali annacquate.

E poi gli algoritmi. Gli algoritmi! Avete idea di quanto siano subdoli? Ti dicono cosa ascoltare. “Se ti piace Bob Dylan, potresti apprezzare questo tizio che suona l’ukulele in una cantina in Norvegia”. Ma chi sei tu, Spotify, per dirmi cosa ascoltare? È come se un robot venisse da me e dicesse: “So tutto di te”. No, non sai niente! Non sai che mi piace ascoltare la Carmen mentre mangio cornflakes alle tre di notte.

E poi il male assoluto: le playlist. Ah, le playlist! “Relax”, “Study”, “Workout”. Ma la musica non è un deodorante con profumi diversi per ogni momento della giornata! È una forma d’arte, non un menù da fast food. Voglio ascoltare Beethoven durante un attacco di panico, non una playlist chiamata “Calm Vibes”.

E non parliamo dei musicisti. Sapete quanto guadagnano per ogni stream su Spotify? Un centesimo. Un centesimo! Quando ho sentito questa cifra ho pensato: “Ok, è uno scherzo”. Ma no, è vero. Beethoven guadagnerebbe più suonando il piano in un bar per ubriaconi che su Spotify. E poi si lamentano che la musica classica sta morendo. Certo che sta morendo! Non si può competere con il remix techno di un gatto che miagola.

Spotify ha preso la musica – che è passione, fatica, lacrime, sudore – e l’ha trasformata in un buffet all-you-can-eat di mediocrità. E noi? Noi ne siamo complici. Perché è comodo. È tutto lì, subito, senza fatica. Ma sapete cosa succede quando tutto è facile? Diventiamo pigri. E quando diventiamo pigri, smettiamo di cercare la bellezza.

E se non bastasse questo, ecco l’ultima genialata: le canzoni finte. Sì, avete capito bene: false. Tracce create appositamente per riempire le playlist, senza un artista vero dietro. No, non sto scherzando. Hanno trovato un modo per monetizzare anche il nulla. È come venderti l’aria in scatola, ma con un po’ di riverbero e un titolo come “Ocean Serenity.”

Creano brani composti da qualche accordo generico – una melodia che potrebbe essere stata suonata da un tizio con la chitarra in un autogrill alle tre di notte – e la mettono in una playlist chiamata “Focus Time” o “Cozy Winter Vibes.” E la gente la ascolta, inconsapevole del fatto che non è nemmeno musica vera. È musica sintetica. È come mangiare un hamburger vegetale e pensare che sia filetto di manzo argentino.

E poi gli “artisti” dietro queste tracce… ma quali artisti? Non esistono! Sono pseudonimi inventati da Spotify o da aziende terze per risparmiare sui diritti d’autore. È un’economia del vuoto, una truffa in loop infinito. Hanno preso l’idea del “musicista” e l’hanno ridotta a un avatar generato al computer. Nessuno soffre per scrivere queste canzoni. Nessuno si strugge. Nessuno vive il dramma interiore che produce un capolavoro. È tutto un copia e incolla emotivo.

La parte migliore – se possiamo chiamarla così – è che tutto questo serve per ingannare noi. Perché più Spotify riempie le playlist di musica fasulla, meno paga gli artisti veri. È un sistema progettato per spremere il massimo profitto da ogni nota. Hanno letteralmente industrializzato l’assenza di ispirazione.

E voi direte: “Ma chi se ne accorge?” Certo, nessuno se ne accorge! Perché queste tracce non devono essere memorabili, devono solo stare lì, sullo sfondo, come la musica d’ascensore in un centro commerciale deserto. Il loro unico scopo è mantenere attivo lo streaming, come un’auto lasciata accesa al semaforo.

Quindi ora non solo Spotify è il McDonald’s della musica, è anche una specie di Truman Show per le nostre orecchie. Ci fa vivere in un mondo dove crediamo di ascoltare arte, ma in realtà ascoltiamo solo un algoritmo che ci sussurra dolcemente: “Non pensare, non cercare, continua a fare play.”

Sapete cosa mi preoccupa davvero? Che un giorno ci abitueremo a tutto questo. Che non saremo più capaci di distinguere una canzone vera da una finta. E a quel punto, la musica come la conosciamo – quella vera, quella che ti strappa il cuore e te lo rimette al contrario – sarà morta davvero.

E io? Io continuo a usarlo. Certo, è comodo. Ma lo odio. Lo odio con la stessa passione con cui amo… Oh guarda, la mia playlist “Woody’s Neurotic Jazz Favorites” è finita. Devo trovare qualcos’altro.

Il Concerto con i Poveri 2024, giunto alla sua quinta edizione, si è confermato ancora una volta come un evento unico nel panorama musicale e culturale, capace di unire arte e solidarietà, bellezza musicale e attenzione agli ultimi. Ospitato il 7 dicembre nella suggestiva Aula Paolo VI in Vaticano, ha regalato una serata straordinaria a un pubblico di oltre 8.000 persone, di cui 3.000 provenienti da contesti di marginalità.

È stato per me un grande piacere partecipare a questo evento straordinario, non solo come spettatore ma anche come parte attiva di un momento speciale. Ho avuto infatti l’onore di consegnare la membership onoraria dell’ACMF (Associazione Compositori Musica per Film) a Monsignor Marco Frisina, figura centrale della musica sacra contemporanea, proprio in occasione del concerto.

Ritrovare Hans Zimmer, al quale avevo già consegnato lo stesso riconoscimento nel 2018, è stato altrettanto emozionante. Due artisti incredibili, diversi nei loro stili ma accomunati dalla capacità di toccare il cuore attraverso la musica.

La serata è stata suddivisa in due parti, ciascuna dedicata a uno dei due maestri. La prima parte, curata e diretta da Mons. Marco Frisina, è stata una vera e propria catechesi musicale. Attraverso brani come Come le stelle del cielo (Abramo), Shemà – Zipporah (Mosè) e Giuseppe incontra i suoi fratelli (Giuseppe), Frisina ha saputo intrecciare temi spirituali e valori universali come fede, speranza e perdono.

La performance è stata arricchita dalle esibizioni di solisti straordinari, tra cui la pianista Gilda Buttà e la violoncellista Tina Guo, e accompagnata dal Coro della Diocesi di Roma e dalla Nova Opera Orchestra. Ogni brano è stato introdotto da riflessioni che hanno reso la musica uno strumento potente di evangelizzazione e condivisione spirituale. Frisina si conferma un ponte tra la tradizione italiana della musica sacra e per il cinema e i nuovi orizzonti artistici, erede di grandi maestri come Ennio Morricone e Nicola Piovani, anch’essi soci onorari ACMF.

La seconda parte del concerto è stata dedicata al maestro Hans Zimmer e ha visto la direzione del giovane compositore Dario Vero, che ha presentato anche due delle sue composizioni (Forest Spirit e Revelation). Zimmer ha emozionato il pubblico con alcuni dei suoi capolavori più celebri: la Suite di Pearl Harbor, la Suite da Angeli e Demoni, Time (Inception) e la travolgente Suite di Pirati dei Caraibi. Alternandosi tra pianoforte e sintetizzatore, Zimmer ha dimostrato ancora una volta la sua maestria nel creare paesaggi sonori unici, capaci di trasformare l’Aula Paolo VI in un universo sonoro di rara intensità emotiva.

La serata si è conclusa con una standing ovation durante l’esecuzione finale della Suite di Pirati dei Caraibi, che ha lasciato il pubblico estasiato e grato per le emozioni vissute.

Il Concerto con i Poveri 2024 è stato molto più di un’esibizione musicale: è stato un vero atto di amore e condivisione. La distribuzione di pasti agli ospiti d’onore ha aggiunto un ulteriore tocco di solidarietà a un evento che dimostra come la bellezza possa essere un potente veicolo di speranza.

Un plauso va agli organizzatori, Riccardo Rossi e Gualtiero Ventura, e alla Nova Opera, che hanno saputo creare un perfetto equilibrio tra tradizione italiana e innovazione internazionale, spiritualità e contemporaneità.

È stato un privilegio essere testimone di una serata così straordinaria, dove la musica ha parlato a tutti, senza distinzioni, in un linguaggio universale di bellezza, compassione e solidarietà.

Foto credits: Enrico Pombi – Nova Opera Srl

Lo scorso 26 ottobre 2024, il Teatro Olimpico di Roma ha ospitato un evento unico: Cinema in Concerto, organizzato dall’ACMF (Associazione Compositori Musica per Film) in collaborazione con la Festa del Cinema di Roma. La serata ha celebrato la ricchezza della musica per il cinema, unendo passato e presente attraverso l’esecuzione di brani che hanno segnato la storia del grande schermo.

Come compositore, è stato un onore poter contribuire a questa serata speciale con due brani a me particolarmente cari. Il primo è stato l’esecuzione della suite tratta dalla colonna sonora di My Love Affair With Marriage, un lavoro che mi ha permesso di esplorare sonorità orchestrali ricche di sfumature per sostenere il viaggio emotivo della protagonista del film. Sentire la Roma Film Orchestra, diretta magistralmente dal Maestro Alessandro Molinari, interpretare questa musica è stata un’esperienza emozionante e gratificante.

Il secondo contributo è stato l’arrangiamento orchestrale del celebre tema di Profondo Rosso di Claudio Simonetti. Questo lavoro mi ha dato l’opportunità di reinterpretare un classico del progressive rock in chiave sinfonica, mantenendo il suo carattere iconico ma adattandolo al linguaggio orchestrale. È stata una sfida stimolante, che mi ha permesso di approfondire il dialogo tra generi musicali apparentemente distanti.

La serata ha visto la partecipazione di numerosi colleghi compositori, ognuno dei quali ha presentato opere che testimoniano la vitalità e la diversità della musica per il cinema italiano. Tra i momenti più toccanti, l’omaggio al Maestro Ryūichi Sakamoto, recentemente scomparso, che ha ricordato a tutti noi quanto la musica possa essere universale e senza confini.

Un ringraziamento speciale va all’ACMF per l’organizzazione di un evento che non solo celebra il nostro lavoro, ma lo porta al pubblico in una forma che ne esalta il valore artistico e culturale.

Ecco l’intervista che io e il Maestro Stefano Mainetti abbiamo rilasciato per Cinecittà News.

Ottobre è iniziato per me in grande stile al Romics, la celebre fiera dedicata all’animazione, al fumetto e alla cultura pop, dove ho avuto l’onore di partecipare in una doppia veste. Da un lato, come relatore di un panel organizzato insieme agli amici e colleghi dell’ACMF, l’Associazione Compositori Musiche per Film, e dall’altro come premiato per il premio Musicomics, un riconoscimento importante che celebra la musica legata all’animazione.

Il Panel ACMF e l’Omaggio ai Compositori Italiani

Il 4 ottobre ho avuto il piacere di salire sul palco insieme ad Alessandro Molinari, Pasquale Catalano e Stefano Mainetti, per un panel che ha celebrato la grande tradizione italiana nelle colonne sonore e nei riconoscimenti internazionali. Durante il dibattito, abbiamo esplorato i successi e le sfide che i compositori italiani affrontano nella corsa agli Oscar, riflettendo sulle vittorie e le nomination di alcuni grandi maestri della musica per il cinema. Questo momento è stato anche un’opportunità per discutere delle difficoltà che spesso i nostri compositori incontrano per ottenere visibilità su scala mondiale, nonostante il talento straordinario e la ricca eredità musicale che portiamo avanti. È stato un confronto intenso e profondo, che ci ha fatto sentire più uniti nel nostro impegno di mantenere viva la tradizione delle colonne sonore italiane.

Il Premio Musicomics e la Vittoria per “My Love Affair With Marriage”

Il giorno successivo, il 5 ottobre, sono tornato al Romics in qualità di presenter per il premio Musicomics, un’iniziativa organizzata da Mirko Fabbreschi per celebrare le migliori colonne sonore e canzoni legate all’animazione e al mondo del fumetto. È stato un momento molto speciale per me, poiché due dei miei lavori erano in nomination: la colonna sonora del film My Love Affair With Marriage e la canzone Lion, interpretata da Storm Large con testi di Signe Baumane, tratta dallo stesso film.

Con grande emozione, posso annunciare che ho vinto il premio per la Migliore Colonna Sonora! Essere riconosciuto per un progetto di animazione proprio in un evento come il Romics, che è tra i più importanti in Italia per l’animazione e la cultura pop, è stato incredibilmente gratificante.

Non tutti sanno che, oltre a essere un compositore, sono da sempre un appassionato di fumetti, giochi di ruolo, Magic, Dungeons & Dragons e cultura giapponese. Nel corso degli anni, ho suonato in una band storica, Le Trote Nokohori, con cui interpretavamo le sigle italiane dei cartoni animati, un’esperienza che mi ha permesso di coltivare e condividere la mia passione per questo mondo.

Essere premiato al Romics da un collega che stimo profondamente, Claudio Simonetti, in compagnia di leggende come Douglas Meakin, Vince Tempera e Lucio Macchiarella, è stato un po’ come realizzare un sogno di bambino e di adulto. Questi artisti hanno scritto la storia delle sigle italiane, e trovarmi sul palco accanto a loro è stato un onore immenso. Ringrazio tutti coloro che hanno reso possibile questo percorso e spero di continuare a contribuire, con la mia musica, a questo universo che tanto amo.

It’s been a while since I last posted on this site, and I decided to do so because of some important news. Last week, something happened in the world of composers and computer workers that turned many people’s routines upside down.

Basically, the company that makes a widely used software (Finale) announced that they were ending development on that program. They advised users to switch to Dorico, and even offered the opportunity to purchase it at a discounted price. However, this news understandably left many in a panic.

This article is intended both to reassure those who work with music notation software, and to stimulate discussion among colleagues about the future preservation of our works.

Let’s start with the most immediate solution to understand what steps to take.

The quick fix to the problem is this: make sure you save all your Finale files, in XML format, preferably in version 4.0, which is the most advanced. Afterwards, you can import them into Dorico, you can obviously find dozens of tutorials online on how to do it. They will not be scores that are completely identical in appearance to the originals written years ago but, with a good degree of approximation, they will give us back a large part of the work created.

Let’s start from this question to start a series of reflections that concern the activity of us composers, in particular those who deal with music for the cinema, let’s start from the particular to arrive at broader considerations. We can open the door to a very important reflection for us modern composers, which differs significantly from that of composers of the past.

When Mozart or Beethoven completed their works, these were first copied by hand by copyists and then printed, for their immediate diffusion and, consequently, for preservation for future generations. Once a work was printed, the problems were essentially solved: the hope was that the music could circulate as much as possible. Today, however, we cannot say the same.

We live in a completely different world, characterized by a speed and a capacity for preservation that pose new challenges. For example, about three months ago, I participated in a study conducted by some universities, which interviewed composers, especially those who deal with music for cinema. The topic was the preservation of soundtracks, a delicate and very important topic for me. As a child, I dreamed of becoming Indiana Jones, I also have studies in Archaeology and conservation of cultural heritage, and I have developed a real passion for the problem of the preservation of musical heritage and for the history of music. However, in our contemporary era, musical preservation rarely occurs. Today, when a soundtrack is published, it tends to remain “frozen” within the film, without an autonomous life outside of it.

Music written for a film rarely finds space in concert life, unless it comes from a very famous composer. Often, modern soundtracks also have little melody and poor reproducibility, being composed often of drones and electronic sounds. In many cases, there are no real musicians, only layers upon layers of sounds that overlap, accumulating. This reality makes it difficult to reproduce many soundtracks live. This is not a criticism of electronic music, which I appreciate and have played and composed, but an observation: electronic music tends to age more quickly and disappear more easily, since it is complex to transcribe and difficult to reproduce live.

I have always loved writing and experimenting, even with electronics. A recent album of mine, written for string quartet and electronics, has achieved interesting results, and I hope to continue exploring this combination.

While these techniques are fascinating, in terms of preservation and reproducibility of sound, they often do not offer the same guarantees. If I want to study a composition by Mozart or Beethoven, I can always consult the score and understand the composer’s intentions. The musical writing is clear and consolidated: each note is specified in such a way as to guarantee a faithful reproduction. In contrast, many modern musical productions, especially in pop and electronic music, can be difficult to reproduce in the future. A song by Lady Gaga or Rihanna, for example, will be performed in thirty years, but recreating the original sound will be difficult. The techniques used, such as certain synthesizer presets, are often complex and not always documented.

Classical music, on the other hand, is written in such a way as to be immortal. Writing and transcribing allow works to be reproduced in the way they were conceived. However, many modern soundtracks are based on electronic sounds and sampling, which makes them less recognizable and more susceptible to being forgotten. This reflection leads me to conclude that, when we write music for films, we must consider not only the needs of producers and directors, but also the importance of passing on our music. It is essential to find a balance so that our works are transcribed and reproducible over time.

In many cases, the music is not even released on CD, let alone on vinyl. So, physically, it does not exist on any medium, apart from DVD or Blu-ray. Think about how many series are born and die with streaming: soundtracks are totally virtual. They may be present on platforms such as Netflix or Amazon Prime and on Spotify, but all of this is impalpable. In ten years, they will probably no longer exist, since these platforms could decide to remove that content. If there is no adequate marketing of the DVD or Blu-ray, nor is there a physical disc, and the soundtrack is only available on Spotify, which could disappear for any reason, the volatility of the product and the lack of preservation becomes a serious problem. For me, it is essential to maintain a good habit: to print all my compositions, whether they are good or bad, small or large. I have a part of my library dedicated to this, with many volumes that collect all my works, even the simplest ones. They serve to retrace my career and leave something tangible for the future. Beethoven said that the composer writes out of fear of death, to leave a legacy. Our profession is intangible, so having something physical is important. At the end of my career, I want to be able to say: “This is what I did”, whether it is soundtracks, music for video games or concerts. Making the intangible tangible, through the printing of scores, is essential. As for formats, the only one I would bet on is vinyl, since reproduction is mechanical and not digital. In a context of apocalyptic crisis, it is more likely to be able to rebuild a vinyl player than a DVD player or an MP3 player. I have a habit of printing everything and saving everything as PDF, because I have never fully trusted notation software. Everything is temporary and provisional, and programs can disappear at any time. Therefore, each work must be archived in an orderly manner. Many worry about having thousands of scores to convert now that Finale has stopped being commercialized, but once composed and printed, how many times do you go back to those scores to modify them? If a composition has been written and archived, it is there when you need it. I hope these considerations stimulate a collective conversation and reflection. I invite you to share your thoughts and discuss these issues, in order to understand where we are going in the evolution of music, especially soundtracks.